Alles über die Kunst des Alabasters in Volterra.

In der Provinz Pisa und nicht weit von Siena und Florenz entfernt liegt Volterra, ein Juwel, das seine architektonische Pracht seinen etruskischen Ursprüngen (eigentlich wurde Velathri genannt) und archäologischen Funden verdankt. Es ist ein sehr beliebtes Ziel in der Toskana und wird als beliebtes Ziel vor allem für Spaziergänge innerhalb seiner Mauern bestätigt, wo es möglich ist, die alten Kunsthandwerksläden zu bewundern, in denen noch immer Alabastergegenstände bearbeitet werden, ein Material, das Volterra international bekannt macht.

Alabaster: seine magische Bedeutung

Das charakteristischste an Alabaster-Objekten ist ihre Unwiederholbarkeit: Sie sind aus der Verschmelzung von Kunst- und Handwerksformen entstanden und tragen die Seele der Hand, die ihre Arbeit dort hinterlassen hat, als Erinnerung und als Ausdruck der Kultur von Volterra . Seine Veränderlichkeit, kontinuierlich und den verschiedenen Blickwinkeln zugrunde liegend, ist die wahre magische Komponente dieses Materials, das sich mit seiner eigenen Reflexion herausfordert, vom Licht durchzogen, aber gleichzeitig umarmt wird.

Die Extraktion

Alabaster kommt in der Natur in Blöcken vor, die „arnioni“ genannt werden und in Gipsschichten in einer Tiefe von etwa einigen hundert Metern eingeschlossen sind. Das Material ist immer unterschiedlich für die Verteilung und Tonalität der Adern, aber auch für die Transparenz, die höher oder niedriger sein kann. Im Allgemeinen hat es eine Härte von 2,5 nach der Mohs-Skala und dafür ist bei der Extraktion Vorsicht geboten, die immer manuell erfolgen muss und den Block umschreibt.
Alabaster kommt in zwei Typen vor, die zwei mineralogischen Klassen entsprechen: kalkhaltiger Alabaster (oder von Volterra) und kalkhaltiger (oder östlicher) Alabaster.

Die Verarbeitung: eine lange Arbeit der Verbesserung

Kostbares Material schon für seine geologischen Bestandteile, es ist noch mehr dank der handwerklichen Arbeit, die typisch und traditionell von Volterra stammt, die es schafft, seine außergewöhnlichen Qualitäten von Kompaktheit, Transparenz, Körnung und Samtigkeit zu verbessern. Dazu gliedert sich der Prozess in fünf Phasen: Quadrieren, Drechseln, Verschönern, Modellieren und Veredeln. Jeder von ihnen variiert je nach dem endgültigen Objekt, das vom Handwerksbetrieb angefordert wird.

Die Quadratur

Mit dieser Technik meinen wir das „Quadrieren“, dh das Zerkleinern des Materials auf quaderförmige Stücke oder allgemein orthogonale Formen. Dazu werden Horizontalsägen verwendet und die Platten daher mit den gewünschten Maßen geschnitten, hypothetisch bereits von den Maßen der zu erstellenden Objekte. Die millimetergenaue Prüfung auf perfekte Rechtwinklung und der Beschnitt selbst erfolgen dann mit Trennscheibensägen. Der Nebenzweig des Alabasters tritt auch direkt in der Quadrierphase auf, also der, der das Mosaik betrifft, mit verschiedenen Arten von naturfarbenem Alabaster.

Die Wende

Wie der Name schon sagt, beinhaltet diese Phase den Einsatz der Drehbank und damit die Vorbereitung der Blöcke, die zuerst zu quaderförmigen Formen in Zylindern verarbeitet werden: Diese werden mit einem Mastix befestigt, der nur für die Hellebarde verwendet und erstellt wird in der Werkstatt selbst, zur Achse der Drehmaschine. Die Verarbeitung beginnt, wenn das Material mit speziellen „Greifern“ ausgehoben wird, um einen ersten Entwurf der gewünschten Form zu erhalten. Das Schleifpapier glättet das Endprodukt, das sehr schonend von der Drehmaschine abgezogen wird, da dünne oder brüchige Teile während des Manövers brechen könnten.

Das Ornament

Wenn es um „verziert“ geht, bezieht es sich auf das Flachrelief oder Hochrelief der Hellebarde. Zuerst entscheiden Sie sich für das Design, das Sie machen möchten, dann transportieren Sie es zum Stein und wählen die markanten Bezugspunkte aus. „Scuffine“ und „Ferri“ werden zusammen mit Dutzenden anderer Spezialwerkzeuge in der Lage sein, Rillen und Gravuren herzustellen, die in der Form, die beim ersten Drehen erhalten wurde, völlig charakteristisch sind.

Skulptur

Bildhauer sind diejenigen, die sich am meisten von der Welt von Mensch und Tier und ihrer Reproduktion inspirieren lassen: Gesichter, tänzelnde Pferde, Auftragsbüsten und mehr. Sie müssen sehr vorsichtig sein, um die fraglichen winzigen Details sorgfältig zu reproduzieren, um sich mit den Eigenschaften des Alabasterblocks zu befassen. Dreidimensionale Modelle in Gips oder Stein, wie für die Bildhauer aus jedem anderen Material, sind hier unabdingbar.

Das Ende

Dieser Schritt ist unerlässlich, da er die Transparenzen und Adern des Alabasters hervorhebt und ihn gleichzeitig samtig anfühlt. Das Finish, das ursprünglich mit getrockneter Haifischhaut ausgeführt wurde, war so abrasiv, dass die letzten Unvollkommenheiten beseitigt wurden. Schließlich, nach dem Waschen, wurde das Stück poliert und mit etwas fettiger Substanz und weißem Wachs bestrichen. Schließlich, in Baumwolltücher gehüllt, wurde der Alabaster fertig, wenn er unter einer sehr zarten rotierenden Bürste passiert wurde.

Die Färbung

In diesem letzten Schritt wird lediglich die Porosität des Alabasters mit Pigmenten für die unterschiedlichsten Farbbereiche ausgenutzt.

Alabaster: eine reiche und facettenreiche Geschichte

Von den Etruskern zur Herstellung von Urnen verwendet, wurde Alabaster bereits im 8. Jahrhundert hergestellt. Mit einer im Laufe der Zeit perfektionierten Technik gelang es den Etruskern, bewegte Figuren zu schaffen sowie die gesamte Produktion zu industrialisieren und helle Mineralfarben bereitzustellen. Die antiken etruskischen Ausgrabungen sind in den Steinbrüchen von Ulignano und Gesseri noch bedeutend.

Die Herstellung von Alabaster verschwindet natürlich nicht mit der etruskischen und etruskisch-römischen Dekadenz, aber sie blüht im Mittelalter und vor allem in der Mitte des 16. Kirche und bringen Sie ihre volle künstlerische Funktion zurück. Dies wandelte sich im 17. und 18. Jahrhundert in eine Form der leicht durchführbaren kommerziellen Ausbeutung. Stattdessen wurden im 19. Jahrhundert die ersten Werkstätten als echte Fabriken qualifiziert, wobei Meister der Ornamentik und Dekoration nach Volterra berufen wurden und aus ganz Italien kamen.

Die Reproduktion griechischer und etruskischer Vasen, der Silhouetten von Bronzen, Friesen und Leuchtern erhält einen neuen Rhythmus, bereichert sich mit Halbedelsteinen und umfasst auch Mosaike, Nippes und Hochreliefdekorationen. Von diesem Moment an, im 20. Jahrhundert, wird Alabaster als hervorragendes Material für den manierierten und rhetorischen Expressionismus mit Büsten, Frauengesichtern und Hirteninnen konfiguriert. Umberto Borgna schließlich ist bemerkenswert, weil er der erste echte Designer von Alabaster war, der sich einer sklavischen Studie seiner Maserungen, Schattierungen und Kombinationen zuwandte und seine Arme für den modernen Geschmack von Vasen, Uhren und Lampen öffnete.